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La música del Romanticismo

El Romanticismo musical se extiende entre los años 1810 y 1910 aproximadamente, continuando en algunos lugares hasta bien avanzado el siglo XX. La música romántica expresa la emoción, la intuición y el sentimiento hacia una persona u objeto que se aprecia o quiere. En CurioSfera-Historia.com te explicamos las características de la música de Romanticismo y sus principales autores y compositores.

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Características de la música romántica

Las principales características de la música romántica son estas:

  • Composiciones íntimas y humanas.
  • Predominio de la música instrumental sobre la vocal.
  • Ritmos complejos y libres, llegando a la polirritmia (dos o más ritmos a la vez).
  • Consolidación y ampliación del número de instrumentos de la orquesta sinfónica.
  • Menor preocupación por la forma externa y mayor por la inspiración y fuerza expresiva.
  • Preferencia por el piano y el violín, y recuperación de otros instrumentos como el arpa y la guitarra.
  • Estilo melódico de mayor riqueza, con una melodía apasionada e intensa y una calurosa expresión de los sentimientos.
  • Frases melódicas menos regulares y simétricas que en el la música del Clasicismo. Desaparición de la frase cuadrada.
  • Enriquecimiento armónico, basado en el uso de nuevos acordes y en nuevos recursos para la modulación, con el fin de crear un mayor efecto expresivo.
  • Búsqueda de contrastes musicales capaces de sugerir sentimientos a través de matices dinámicos (fuerte, piano, crescendo…).
  • Atención especial al folclore y las melodías populares como fuente de inspiración, que llevará a los nacionalismos musicales, que forma parte del arte y cultura del nacionalismo.
  • Nuevos efectos de orquestación en la música sinfónica gracias a las innovaciones y mejoras técnicas de los instrumentos de la orquesta. Mayor empleo de instrumentos de madera, metal y percusión.
  • Preferencia por las formas menores: preludio, estudio, lied, impromptu…
  • Creación del poema sinfónico, forma musical que ofrece mayor libertad que la sinfonía clásica.
  • Aparición del ídolo virtuoso, bien como instrumentista o como intérprete vocal.

Formas musicales del Romanticismo

Las principales formas musicales del Romanticismo son las siguientes:

  • Preludio: Pieza en un solo tiempo, de corta duración y con características de virtuosismo, escrita principalmente para piano.
  • Bagatela: Composición corta para piano y sin ninguna pretensión.
  • Estudio: Obra breve de restringido material temático, en donde un motivo va adquiriendo cada vez mayor dificultad.
  • Impromptu: Obra no sujeta a ninguna norma y en la que el ejecutante tiene libertad de improvisación.
  • Nocturno: Composición de carácter apacible y sentimental con una delicada y expresiva línea melódica.
  • Lied: Canción culta, refinada, íntima y de sugerencias líricas.
  • Sinfonía y concierto: La sinfonía y el concierto se desarrollaron y se adaptaron a los ideales románticos. El primer sinfonista romántico fue Beethoven. Los compositores románticos posteriores estuvieron influidos por el esquema formal que dio Beethoven a la sinfonía.
  • Música programática: Tuvo gran importancia este tipo de música sinfónica que pretende expresar una idea, historia, etc. Comunicarla al oyente por medio de un programa que sirve de argumento. La música programática dio origen al poema sinfónico.
  • Poema sinfónico: Obra orquestal de un solo movimiento en el que se desarrolla musicalmente un argumento. Es la gran forma romántica, que establece una unión entre la poesía y la música.

Los nuevos instrumentos del romanticismo

La principal innovación tuvo lugar en 1830, cuando el alemán Theobald Böhm adaptó para la flauta un nuevo sistema de palancas y llaves que puso al instrumento a la altura del violín en cuanto a precisión y agilidad.

cuáles son los instrumentos del Romanticismos

Hasta ese momento los intérpretes contaban solo con dos o tres llaves que les ayudaban a conseguir algunas notas imposibles sin su ayuda. El sistema Böhm fue adoptado por la industria y aplicado a los restantes instrumentos de la familia de madera: clarinetes, oboes y fagotes, fueron a partir de entonces capaces de tocar cualquier cosa y pasaron a ser fabricados en serie, y ya no exclusivamente con madera.

Los instrumentos de metal sufrieron una transformación similar. Hasta entonces solo podía tocarse con ellos un pequeño número de sonidos con facilidad y fiabilidad. Su intervención en la orquesta se limitaba a breves frases de color o a reforzar la sonoridad general.

En ocasiones se utilizaban roscas o tubos que permitían cambiar su afinación básica, produciendo nuevos sonidos. Eso obligaba al ejecutante a tener a su lado varios instrumentos de diferentes tamaños en los que debían introducir tubos adicionales, con los consiguientes problemas. Con la introducción de pistones y válvulas en su producción industrial, estos problemas quedaron solucionados.

Características del músico romántico

La sociedad burguesa, que tras la Revolución Francesa se convirtió en la clase privilegiada, influida por la filosofía idealista que dominaba la época, cambió el papel social de la música. La iniciativa privada como algo propio de esta sociedad, convirtió al músico en un profesional de su arte. Ahora tenía libertad absoluta para poner precio a su trabajo, dentro de la ley de la oferta y la demanda.

Su primer campo de acción fue el concierto público, donde las personas que pagaban pasaron a formar el nuevo auditorio y las orquestas se convirtieron en sociedades anónimas. Su otro campo de acción fue la música de salón, donde el piano llegó a ser el instrumento rey.

La emoción musical, reprimida por las normas y cánones del Clasicismo, se desbordó. Para el hombre romántico la música fue el medio más importante con que expresar sus sentimientos. El teatro lírico alcanzó un gran desarrollo y la ópera del Romanticismo se difundió mundialmente.

El Romanticismo pianístico

El siglo XIX es conocido como el siglo del piano, instrumento para el que se compusieron numerosas formas musicales típicas del Romanticismo. El piano no faltaba en las salas de concierto, en los salones y en los hogares de la burguesía europea.

el romanticismo pianístico

El piano romántico

Durante gran parte de la música del Barroco y del Clasicismo, el violín fue el instrumento musical más importante. Después, durante el siglo XIX, los músicos románticos prefirieron el piano por su capacidad para la matización dinámica y por sus posibilidades sonoras. Surgió la figura del «virtuoso instrumental», capaz de interpretar piezas de extremada dificultad técnica.

Asimismo se escribieron muchas obras para piano que, en la mayor parte de los casos, eran piezas cortas, libres, de carácter improvisado, denominadas con títulos evocadores: romanza, fantasía o preludio.

En muchas ocasiones, esas piezas se reúnen en series bajo un título común, por ejemplo Carnaval, de Schumann, o como colecciones de danzas del romanticismo, como los Valses, Mazurcas y Polonesas de Chopin.

Hasta el estudio, originalmente compuesto como pieza didáctica, pasa ahora a ser considerado apto para el concierto. Hacia finales del siglo XIX, gracias a sus importantes innovaciones técnicas, el piano llegó a ser el instrumento musical por excelencia.

Compositores románticos de música para piano

Los compositores o autores más importantes de música para piano del romanticismo son:

Franz Schubert

Entre las obras para piano del compositor austriaco Franz Schubert (1797-1828) destacan los Impromptus y los Momentos musicales, en los que la inspiración melódica se impone sobre la forma clásica.

Frédéric Chopin

Frédéric Chopin (1810-1849) poseía una gran técnica pianística y un lenguaje lleno de ternura y nostalgia, que le hizo inspirarse en temas polacos para componer una obra llena de innovaciones melódicas, rítmicas y armónicas. Su armonía es de gran colorido y brillantez, con progresiones de acordes y modulaciones sorprendentes

Chopin escribió casi exclusivamente para piano. Su producción musical la realizó en «pequeñas formas», como sus Nocturnos, Polonesas, Valses y Mazurcas. En todas ellas vibra la esencia del músico romántico: sentimentalismo, intimidad, exaltación…

Además de estas piezas breves, Chopin escribió dos Conciertos para piano y orquesta y el Concierto del “Krakowiak”. Chopin ejerció gran influencia sobre pianistas posteriores y tuvo numerosos discípulos.

Franz Liszt

El compositor húngaro Franz Liszt (1811-1886) llegó a ser a la edad de veinticinco años el pianista más famoso del momento. Viajó continuamente y deslumbraba con su técnica al público europeo. En el año 1847 se instaló en Weimar como director de la orquesta de la corte. Desde esa fecha su labor se centra más en la composición y en la difusión de la música de otros compositores.

Mientras que el romanticismo de Chopin es íntimo y poético, el de Liszt es brillante y espectacular. Liszt fue un pianista con unas facultades tan extraordinarias que sus contemporáneos lo consideraron más virtuoso que compositor.

Escribió más de 1.300 obras, entre ellas las obras para piano Estudios de ejecución trascendente, Años de peregrinación, la Sonata en Si menor y dos Conciertos paro piano y orquesta.

Robert Schumann

Robert Schumann (1810-1856) nació en Sajonia. Fue el impulsor del ideario romántico. Una lesión en la mano le impidió ser un virtuoso del piano. Su obra pianística la realizó para su esposa Clara Wieck.

Según él mismo afirmó, su música es un reflejo de su mundo interior. Sus obras más importantes son las pequeñas composiciones que se agrupan en colecciones como Carnaval, Álbum para la juventud, Kreisteriana, Escenas de niños y Fantasía, que le valieron la denominación de «poeta del piano».

El pianismo de Schumann es denso, pensado. La dificultad en la ejecución de sus obras arranca de la misma naturaleza de su música, desde un punto de vista armónico, melódico y estructural.

El sinfonismo romántico

Se pueden distinguir dos corrientes en la evolución de la música sinfónica del Romanticismo: una orientada hacia formas más puras de tradición clásica y otra de tendencia programática.

qué es el sinfonismo romántico

Compositores románticos de tradición clásica

Los compositores de tradición clásica manifiestan mayor inclinación hacia la música pura en la herencia de Beethoven, aunque con colorido, técnica y expresión románticos. Los grandes maestros del género fueron los siguientes:

Franz Schubert

Franz Schubert (1797-1828), fue autor de nueve Sinfonías de influencia beethoveniana y gran riqueza melódica. Entre ellas destacan la octava, conocida como La incompleta o Inacabada, por contar solo con dos movimientos, y la número nueve, Sinfonía en Do mayor, denominada La grande o también La romántica.

Félix Mendelssohn

Félix Mendelssohn (1809-1847) cultivó todos los géneros, a excepción de la ópera, escribió obras para piano, música de cámara, oberturas y algunos lieder. Pero su medio preferido es el orquestal. Compuso cinco Sinfonías, entre las que sobresalen la Escocesa y la Italiana. Además del famoso Concierto para violín y la música escénica para El sueño de una noche de verano de Shakespeare, cuya obertura compuso a los diecisiete años. Es considerado el más clásico de los románticos.

Robert Schumann

A Robert Schumann (1810-1856) se le puede situar en un punto intermedio entre ambas líneas, la clásica y la programática. Escribió cuatro Sinfonías de gran riqueza rítmica, entre las que merecen especial mención las llamadas La primavera y Renana.

Johannes Brahms

Johannes Brahms (1833-1897) fue dado a conocer por Schumann. Compuso para casi todos los géneros, excepto la ópera, destacando en la música de cámara y la orquestal. La sonata es la base de su producción instrumental. Su solidez técnica y constructiva, su uso habitual del contrapunto y su talento para el desarrollo temático, hicieron de él el símbolo de la música en la tradición de Beethoven.

Antón Bruckner

A Antón Bruckner (1824-1896) se deben nueve Sinfonías, que denotar clara influencia de su formación religiosa y de Beethoven, Schubert y Wagner destacando la Séptima. Es un maestro en los desarrollos temático-melódicos.

Gustav Mahler

Gustav Mahler (1860-1911) fue autor de diez Sinfonías, la décima inacabada con importantes innovaciones en la instrumentación. La extensión de estas obras es enorme, recurriendo con frecuencia el autor a gigantesca plantillas orquestales, donde no faltan voces solistas o grandes masas corales. En sus composiciones plasma el sentimiento poético y pesimista de la sociedad de finales de siglo.

César Franck

Del compositor franco-belga César Franck (1822-1890) debe citarse en este apartado la Sinfonía en Re menor, de gran riqueza rítmica y de muy lograda instrumentación y armonía.

Compositores románticos de tendencia programática

En la tendencia programática, una línea innovadora que se abrió paso hasta el nuevo siglo, la gran fantasía romántica dio lugar a la aparición del poema sinfónico. Era una nueva forma musical menos estricta que la sinfonía, la cual resultaba insuficiente para que el músico romántico expresara sus sentimientos. Los grandes maestros del género fueron los siguientes:

Franz Liszt

Franz Liszt (1811-1886) estableció el poema sinfónico, obra en un solo movimiento, ligada a ideas extramusicales y basada en uno o varios temas que reaparecen garantizando la unidad formal de la obra. Entre los doce poemas sinfónicos que escribió destacan Orfeo y Los Preludios, y entre sus sinfonías, Dante y Fausto. Su música denota una orquestación moderna e innovaciones atrevidas en el campo armónico, que se manifestaron en obras como Mazeppa y Lo que se escucha en las montañas.

Héctor Berlioz

Héctor Berlioz (1803-1869) consagró la nueva estética con una obra maestra, la Sinfonía fantástica (1830), de alto contenido descriptivo, basada en un «programa» o guion que puede seguirse casi como un argumento literario. Fue un gran renovador de la orquesta. En ninguna de sus sinfonías se sujetó a las normas clásicas.

Richard Strauss

Richard Strauss (1864-1949), aunque vivió ya en el siglo XX, la música de su primera época fue romántica. Compuso obras como Don Juan, Muerte y transfiguración y Así hablaba Zaratustra, en las que asocia la riqueza orquestal al sentimiento y al realismo.

El lied romántico

El mejor vehículo para expresar los sentimientos románticos fue el lied, que tuvo su apogeo en el siglo XVI y que en el siglo XIX recibió un nuevo impulso gracias a los poetas Goethe y Schiller, entre otros.

Características del lied romántico

Lied es una palabra alemana cuyo plural es lieder y que significa «canción». Sin embargo, como forma musical tiene una acepción más concreta. El lied es una canción para voz solista con acompañamiento de piano, cuya música se compone basándose en una poesía. De esta manera se consigue la íntima unión entre el texto y la música.

qué es el lied del Romanticismo

Predominan dos tipos formales principales: el lied estrófico, en el que cada estrofa del texto cuenta con la misma música, y el lied libre, en el que la música se adapta a la expresión y sentimientos presentes en cada estrofa del texto. Este fue el tipo habitual en el siglo XIX.

Compositores del Lied romántico

El compositor austríaco Franz Schubert fue quien consagró el lied del romanticismo. Otros compositores que también cultivaron el lied fueron Schumann, Brahms y Hugo Wolf.

Franz Schubert

Franz Schubert (1797-1828) fue el verdadero creador del lied romántico. Su obra estuvo marcada por los movimientos literarios románticos, el lirismo y la exaltación del folclore alemán. Puso música a textos de los poetas Schiller y Goethe, entre otros. Sus temas predilectos fueron el amor, la muerte y la naturaleza.

Compuso más de 600 lieder, que se cuentan entre lo mejor del Romanticismo y en los que consigue una compenetración casi completa con el texto. Están agrupados en colecciones, como La bella molinera, que consta de veinte canciones, y El viaje de invierno, con veinticuatro canciones. Su obra póstuma fue El canto del cisne, escrita en el año de su muerte y que contiene catorce lieder.

Robert Schumann

Robert Schumann (1810-1856) tuvo amplia formación literaria, se separó de la temática popular y se introdujo en la poesía culta alemana y mundial. Sus poetas predilectos fueron Hoffmann, Goethe, Byron, Schiller y, por encima de todos, Heine.

Sus acompañamientos pianísticos son verdaderos subrayados al texto de los lieder. El lied de Schumann se diferencia del de Schubert en la manera de entender la melodía, en el acompañamiento y en su preocupación por el sentimiento.

La forma es libre, adaptándose a la poesía de cada estrofa, y su gran novedad estriba en el acompañamiento pianístico, que en muchas ocasiones se erige en protagonista, o comenta psicológicamente el texto.

Schumann compuso 250 lieder. Sobre textos de Heine se construye su ciclo Amor de poeta, con una melodía tierna y lírica a la que el acompañamiento del piano imprime un carácter irónico. Su otro gran ciclo Amor y vida de una mujer lo realizo sobre ocho poemas del poeta alemán Chamisso.

Johannes Brahms

Johannes Brahms (1833-1897) compuso más de 300 lieder influido por Schumann en su sentimentalismo y por Schubert en su carácter popular. Sobre textos de Tieck compuso la obra Romanzas de Magelone, que incluye quince lieder ligados por un argumento común. Escribió también Cuatro cantos serios, en donde el lied tiene una fuerza mayor.

Hugo Wolf

Hugo Wolf (1860-1903) fue el más importante autor de lieder del final del Romanticismo. Bajo la influencia de Wagner, utilizó el principio de la «declamación continua», por el que el texto es la parte más importante de la obra.

Su música fue una de las más avanzadas de la época en lo que se refiere a la disgregación de las tonalidades, y la principal característica de sus lieder es el aspecto dramático. Escribió más de 300 lieder, destacando los Lieder sobre Goethe, Lieder españoles y Lieder italianos.

Gustav Mahler

En el Romanticismo tardío, Gustav Mahler (1860-1911) sustituyó el acompañamiento de piano por el de la orquesta sinfónica. Entre sus lieder merecen especial mención los Lieder aus des Knaben Wunderhom (1888-99), Lieder de los niños muertos (1901-04) y La canción de la Tierra (1907-09), considerada por muchos su obra maestra.

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